publicopera

Non si sa se sia solo un'impressione, ma vedere le foto di quelli che ieri erano all'inaugurazione del Festival di Bayreuth da un'impressione di dejá vu. Che anche il protocollo sia un riflesso della immutabilità del festival europeo più longevo, anche dal punto di vita della gestione artistica?

 

La cancelliera Merkel accompagnata da consorte. Le cronache dicono ci vada regolarmnte dal 2003.
Décolleté meno sexy che a Oslo, Frau Merkel non rinuncia a mostrareai fans  (almeno) la spalla.

 

Baviera ieri e oggi: il disarcionato Edmund Stoiber con signora e l'attuale presidente bavrese Auch der Günther Beckstein (CSU) con la moglie Marga.

Bayreuth è anche politically correct: il capo del partito liberale Guido Westerwelle con il suo compagno Michael Mronz.

I politici dominano da sempre l'inaugurazione del Festival di Bayreuth (si racconta che altrove le passerelle tendano ad essere calcistiche...), ma c'è spazio anche per qualche esponente della cultura: l'immancabile Thomas Gottschalk con la discreta compagna Thea ("in dramatischer Robe" commenta Der Spiegel).

Ed infine lui, il vecchio re sempre più stanco, sostenuto della giovane principessa Katharina, la meglio piazzata a succedergli (magari in compagnia della più navigata - in theatrical matters - sorellastra Eva Pasquier-Wagner). Se una cosa positiva questa edizione l'ha avuta è che, dopo la lettere delle dimissioni annunciate di Wolfgang, si è parlato meno di eredità e un po' più di questioni artistiche. 

La cancelliere rende omaggio all'ultimo re di Baviera.

Quanto allo spettacolo, nessun dissenso apparente. È piaciuto a tutti. Gatti forse un po' lungo ma voci bellissime. Le foto dello spettacolo di Herheim raccontano di bambini e (sembra) streghe, di Gurnemanz e Kundry angeli neri, di Klingsor in guepière, di Parsifal a Villa Wahnfried.

Da domani i resoconti.

È cominciato con gli insulti di qualcuno del pubblico - il suo rotondo Arschloch si è sentito perfettamente - domenica scorsa il concerto d'addio di Paolo Carignani nell'Opernhaus di Francoforte. Carignani non reagisce provocazione, resta immobile qualche secondo, poi scende dal podio e se ne va. Richiamato da Ingo de Haas, konzertmeister della Frankfurter Museumorchester, incoraggiato dagli applausi ritmati, Carignani rientra in scena e finalmente dà l'attacco del suo ultimo concerto da direttore musicale.

Secondo la sua cifra più caratteristica, la sua interpretazione della beethoveniana Nona sinfonia è frenetica e vitale (poco più di 60 minuti: un vero record!) ed è accolta da standing ovation e chiamate entusiastiche. Si vede anche uno striscione giallo con un "DANKE PAOLO" a caratteri cubitali. Evidentemente il clima calcistico che si respira dentro e fuori del teatro (è pur sempre il giorno della finale dei campionati europei fra Spagna e Germania).

Due assaggi belliniani

Dal blog di Claudio Pavoni, firma del telegiornale de La 7:

Per lo sciopero dei dipendenti degli Enti lirici a Genova è saltata la prima del Cappello di paglia di Firenze di Nino Rota. Sul palcoscenico del Carlo Felice, al posto dei cantanti, è salito il sindaco che ha tenuto un discorso critico nei confronti dei sindacati. E l’ex sindaco di Milano, Gabriele Albertini, ha affermato senza mezzi termini che fra le tante caste italiane quella degli orchestrali della Scala può essere annoverata ai primi posti per privilegi.
Il sindacato replica, però, che gli orchestrali italiani sono quelli peggio pagati d’Europa. Ora sono a rischio anche le prime di Roma, Torino, e Milano.
Ma intanto è riesplosa la polemica fra chi ritiene che sul teatro lirico le casse pubbliche faccia confluire finanziamenti inadeguati e chi, al contrario, parla di soldi ingiustamente sottratti dalle tasche dei contribuenti. Chi ha ragione? 

Falso dilemma. Bisognerebbe piuttosto chiedere se l'opera o più in generale la cultura serve a qualcosa. E posto che serva, l'Italia fa comunque piuttosto poco per sostenerla.
I commenti sono aperti.

Un Onegin con contorno di drag queen e cowboy gay quello visto all'Opera di Stato Bavarese. I titoli delle recensioni isistono molto su questo aspetto, come  Per esempio la Frankfurter Rundschau "Tanz der Cowboys" o il Münchner Merkur "Die Polonaise als Cowboy-Ballett", quando non si opta per soluzioni più grevi come "Schwule Kunstpenetration" della Deutschland Radio che però illustra con un fotogramma del film di Ang Lee, o "Schwule Cowboys und eine handvoll Tunten" di Der Tagesspiegel. Solo la svizzera Neue Zürcher Zeitung rimane neutrale (ovviamente...) con il suo "Tschaikowsky kritisch gelesen".
Secondo Shirley Apthorp - nella sua recensione per Bloomberg, "Gay cowboys evoke 'Brokeback Mountain' as Munich boos Onegin" - il regista polacco Krzysztof Warlikowski ha trasformato questo classica storia d'amore in un triangolo amroso gay ed è stato sonoramente fischiato per i suoi sforzi alla prima.

Si prova la rossiniana Scala di seta a Potsdam nel teatro del Neues Palais della reggia prussiana di Sanssouci per la Potsdamer Winteroper della Kammerakademie Potsdam.

Alcune foto esclusive rubate da una mano anonima alle prove.

Italianissima la compagnia di canto: Raffaella Milanesi (Giulia), Giorgia Milanesi (Lucilla), Daniele Zanfardino (Dorvil), Maurizio Leoni (Blansac), Enrico Marabelli (Germano) più Christian Dietz (Dormont) e Pietra Piccione (una cameriera). Molto italiano anche il team artistico voluto da Andrea Marcon, da quest'anno direttore artistico della Kammerakademie di Potsdam: il direttore Felice Venanzoni, la regista Caterina Panti Liberovici, lo scenografo Sergio Mariotti e la costumista Cristina Aceti.

Musicalmente, sarà un Rossini molto barocco, promette Venanzoni: "Contrariamente a quanto si sente spesso dire, non tutto è scritto in Rossini e questo ci dà la possibilità di essere creativi. Abbiamo l’abitudine a pensare che questo repertorio parli da solo. Ma come insegnano i barocchi, occorre descrivere agogicamente gli affetti, estremizzare il fraseggio, inventare variazioni e abbellimenti, per creare una drammaturgia musicale che nasca dalla conoscenza e dal rispetto della prassi esecutiva. In questo senso vorrei che il mio Rossini fosse barocco."

Sulla regia, la Liberovici rivela: "La mia scala non sarà una vera scala a pioli o quant’altro, ma ispirerà piuttosto il profumo della seduzione così come la morbidezza della seta evoca la sensualità. I seduttori di Giulia saranno attirati dai capi di abbigliamento - una sciarpa, un guanto, la guepière, una calza - che Giulia perderà o lascerà dietro di sé".

Queste le (buone) intenzioni. I risultati si vedranno a partire dal prossimo 9 novembre (con repliche il 10, 16 e 17).

Un assaggio delle prove:

Se ne parla anche nel numero di novembre il giornale della musica 
(i virgolettati vengon da lì).

La scala di seta è popolare quest'anno in Germania.
Un'altra produzione è in cartellone al Nationatheater di Mannheim.

L'appello a sostegno del cinema italiano di 100autori.it

Anche un po' di musica (da vedere) nell'uragano visuale di Documenta 12 a Kassel:
l'installazione di Olga Neuwirth nella Neue Galerie.

... miramondo multiplo ... (2007)
Mehrkanal-Klanginstallation mit Film
materiale sonoro: sezioni dal II e IV movimento
del concerto per tromba ...miramondo multiplo...
su testi di Hanna Arendt e Walter Benjamin.

Sempre la stessa storia: capricci di divi che quasi affondano il Festival di Salisburgo. Lo racconta con un po' di veleno Renaud Machart, corrispondente da Salisburgo di Le Monde.

Tutte le star del Festival hanno annullato per un motivo od un altro le loro esibizioni: Anna Netrebko le due date dello Stabat Mater in programma l'8 e l'11 agosto (con Elina Garança, non malata ma improvvisamente indisponibile) malgrado la buona forma esibita pochi giorni prima nell'Operngala di Baden-Baden; la mezzosoprano Vesselina Kasarova impegnata nel Benvenuto Cellini per un problema ad un piede; la soprano francese Patricia Petibon fresca di parto; Rolando Villazón per malattia; ed per finire, il tenore americano Neil Shicoff, che non ha nemmeno comnciato le prove del Cellini a tre giorni dall'inizio per la depressione e lo shock provocato dalla nomina del concorrente Dominique Meyer alla direzione dell'Opera di Vienna. Infine Gérard Depardieu, voce recitante nel Lélio di Berlioz programmato il 12, 14 e 15 agosto, che minaccia il ritiro se la televisione austriaca ORF insistesse per riprendere lo spettacolo...

Nota Machart che Netrebko, Garança, Villazón (e l'Orchestra Barocca Veneziana impegnata nel concerto pergolesiano) sono tutti artisti della scuderia Deutsche Grammophon, dall'era Karajan solidamente legata all'immagine Festival.
Dilemma per Jürgen Flimm, neodirettore del Festival che dichiara alto e forte di non voler venire a patti con i ricatti dei divi: riuscirà a liberarsi anche del ricatto della Deutsche Grammophon?

Sullo stesso registro, l'intervista al tenore wagneriano pubblicata ieri dalla Frankfurter Allgemeine Zeitung. Polemico e battagliero, Wottrich risponde a domande scomode anche sui colleghi senza troppi peli sulla lingua. A proposito della malattia che ha colpito anche lui nel corso delle repliche della Walküre al Festival di Bayreuth, dice "Forse c'è troppo stress in giro o forse perché l'intero mondo della lirica è malato e non c'è da meravigliarsi se i cantanti si ammalano. Hai un raffreddore e diventa subito una condanna a morte. Di me si è scritto non che ero malato ma che ero alla fine della mia carriera."

Ma sono normali tutte le defezioni di Salisburgo? "Non è normale che non si consideri la voce un organo umano, ma una macchina." E sulla Netrebko "Si dice che Anna Netrebko sia inaffidabile ma è una insolenza. So da fonte sicura che Anna ha una laringite. Naturalmente si è ritirata perché è cosciente dell'enormità del Festival: ogni nota sbagliata si può trasformare in una tomba nella città che l'ha creata. Negli ultimi tempi l'opera è arrivata alla realtà virtuale mediatica. I cantanti sono valutati secondo lo stesso criterio di Jenny Elvers, Paris Hilton o Christoph Schlingensief."

A proposito di quanto detto da Vesselina Kasarova sul fatto che molti cantanti, non sopportando più la pressione, si doprebbero, Wottrich dice: "Di questo nessuno parla. Ma il doping è da parecchio all'ordine del giorno nel mondo musicale. Molti solisti prendono il Betablocker per controllare la paura, alcuni tenori prendono cortisone per far salire su la voce, e l'alcol è normale. La paura è diventato un fattore importante, ed ogni mezzo è lecito per non deludere le aspettative. Per molti cantanti questo è l'inizio della fine. Ci vuole molta forza per resistere a tutto. Alla fine ci dobbiamo chiedere perché i musicisti fanno uso di queste sostanze." E sulle ragioni di questa tendenza, Wottrich spiega: "La musica è uno sport di squadra. Ma questa concetto è devastato dall'influenza di altri fattori, di manager e sponsor. E intanto ognuno pensa a se stesso. Se sono legato a contratti pubblicitari per milioni di euro, mi sento anche obbligato a dare i risultati che ci si aspetta da me."

Sui due divi del momento, Wottrich non è troppo tenero: "Da Anna Netrebko non ci si aspetta che interpreti la Violetta di Verdi. Dovrebbe piuttosto essere l'Anna Netrebko della pubblicità: carina, allegra, e felice della vita, sempre la stessa che canti dal vivo o in playback." e su Rolando Villazón "Se avessi la voce che ha lui e i giornali mi riducessero a "Mr. Bean dell'opera" mi sparerei. Villazón è un uomo intelligente con una bella voce. Ma questo non interessa più, ha sopracciglie lunghe ed è spiritoso. Non c'è da sorprendersi che ci si ammali."

E il pubblico? Ha qualche colpa? "Il pubblico d'opera autentico no, ma solo coloro per i quali l'opera sarebbe uno show finto. È come con il tour de France: il normale spettatore televisivo, alcolizzato e consumatore di grassi, che non si è mai seduto su una bicicletta, si scaglia contro il corridore dopato, contro l'idolo, che egli sesso ha adorato, per rovesciarlo. L'afrodisiaco del nostro tempo è il fallimento degli altri. E, con permesso, questo mi fa vomitare immensamente."

 
La Netrebko nella recente Lulu della Wiener Staatsoper.

Annette Dach, 38 anni, è attualmente impegnate al Festival di Salisburgo nell'Armida di Haydn messa in scena da Christoph Loy. Di lei dice il critico: "poteziale tremendo per un timbro seduttivamente caldo, movimento sinuoso, intesità perfettamente a fuoco". Nel 2009 la Dasch debutterà all Metropolitan Opera di New York e con lei, informa la Bild, molto probabilmente porterà il suo compagno più fedele: il suo Border-Collie Twiste.

 
La Dasch nell'Armida di Salisburgo.

 
La Bäumer in Jedermann.

Per ora, comunque, la Diva Assoluta rimane lei:

La misurata esibizione della Netrebko all'Operngala di Baden Baden dello scorso 3 agosto.
In un bis leháriano.

Come ogni fine luglio, apre a Bayreuth il Circo Wagner. Immagini e commenti presi dalla sinistrorsa Tageszeitung. Ai quali ovviamente non ci associamo necessariamente. Domanda legittima quanto banale: cosa interessa di più? Wagner che mette in scena Wagner o se farsi vedere sul tappeto rosso?

 
L'avant-garde non manca mai: la coppia Gottschalk. Lui modello "piccolo principe", lei come sogno di "Moulin Rouge".

La cancelliera Merkel, assidua frequentatrice del festival, in lilla cangiante. Passo rapido, breve saluto, nessuna traccia di sudore.

Parentesi: Frau Merkel versione Bayreuth 2007, 2006, 2005, 2004, 2003.

La coppia Stoiber è arrivata leggermente più rigida. Lui pettorina bavarese orgogliosamente rigida. Lei girocollo pomposo che, dice la didascalia, non si sa se è un attrezzo medico o una tendenza per la prossima estate.

Queste tre volevano passare inosservate: Gloria von Thurn und Taxis e le figliole Maria Theresia ed Elizabeth. Sciocchezze. Si esibiscono con i loro modelli Sonia Gandhi, Paris Hilton e (forse) personaggio del film di Tarantino.

Eccola: è la piaciona del Festival. Anche lei si concede brevemente prima della prima ai suoi fans. Dice l'anonimo commentatore: si presenta con una eleganza naturale e sportiva, con un favoloso abito di colori seconda mano da desquamatori di pesce.

Christoph Schlingensief, protegée dei Wagner, invece è stato lasciato a casa. Eppure tanto si era speso per incoraggiare la musa biondocrinuta Katharina.

Era lì per il tappeto rosso. Uomo? Donna? Risorta Krimilde? Contemporanea di Wagner (bisnonno)? No, è la cantante Margot Werner.

Post Scriptum: Lo stesso giorno, un anno fa.

Post-post Scriptum: finale (con fischi)

estratto dalla trasmissione live su Bayern 4 Klassik.

Da anni se ne parla, ma quest’anno più che mai da queste parti è dientato il tormentone dell’estate: chi succederà al vecchio Wolfgang Wagner al timone di Bayreuth? A pochi giorni dall’inaugurazione del Festival wagneriano 2007, più che di eventi artistici, non passa giorno in cui giornali non parlino di questioni dinastiche in seno ai Wagner.

Il settimanale Die Zeit soltanto un paio di settimane fa ha dedicato all’annosa questione due lunghi e provocatori articoli – uno di Claus Spahn e un altro di Volker Hagedorn – dedicati al tormentone dell’estate. Carine anche le foto che documentano l’articolo.

Album di famiglia di Wolfgang

Si riparla di Puccini. È di qualche giorno la notizia che Woody Allen metterà in scena l'unica opera comica di Puccini, il Gianni Schicchi. Alle altre due opere, Il tabarro e Suor Angelica, penserà un altro regista di cinema più a suo agio nel genere pulp, William Friedkin.

Da parte sua, Allen dichiara al Los Angeles Times, "I have no idea what I'm doing but incompetence has never prevented me from plunging in with enthusiasm."

Friedkin ha già messo in scena Gianni Schicchi in accoppiata con il Barbablú di Bartók nel 2002. Ora lascia il posto al collega, di cui dice che Allen alla regia del Gianni Schicchi è una fortuna del cielo.

Il Trittico inaugurerá la stagione 2008/2009 della Los Angeles Opera. Colpo gobbo di Placido Domingo, general manager del teatro. Direttore d'orchestra sarà James Conlon.

Woody Allen ci scherzava su in Manhattan Murder Mistery (1993):
[D. Keaton] Ma davvero ti piace Wagner?
[W. Allen] Certo, anche se ogni volta che lo sento mi viene voglia di invadere la Polonia!

E ci ha già provato, recentemente, in Match Point (2005):

È Mario Brunello in cima al Monte Fuji. Suona tre pezzi di Bach a 3776 metri di altitudine. "In cima alle montagne si è dio e più vicini all'assoluto." dichiara "La musica di Bach arriva al più alto grado di assoluto e di perfezione."

Dessay o Petibon?

...o la giovane promessa?

Da qualche giorno davanti all'Opera di Francoforte fa bella mostra di sè un nano disteso. Dopo quello zemlinskiano, è il secondo nano dela stagione che si aggira da quelle parti. Questo però è molto più grande e molto più disneyano di quello (velazqueziano) visto poco più di due mesi fa.

Oggi, Ariodante all'Oper Frankfurt. È un piacere ritrovare il bellissimo spettacolo di Achim Freyer fra opera dei pupi e illusionismo.

Un paio di arie trovate su YouTube per rinfrescare la memoria.

Secondo il settimanale Time Out che gli dedica un articolo questa settimana, la riluttanza di Simon Keenlyside a concedere interviste nascerebbe dal suo timore di cadere nelle imboscate dei giornalisti. Che, prendendo spunto dalla sua laurea in zoologia, gli potrebbero fare domande su qualche specie di uccelli. Oppure, che si potrebbero informare sul perché Keenlyside venga definito una icona gay.

Meno male che l'ufficio commerciale della Royal Opera non fa e non si fa domande ed va sul pragmatico, pubblicando nel programma della stagione di primavera 2007 delle foto del divo inglese in rigorosa tenuta leather alla Tom of Finland.

Time Out non riporta alcuna protesta di Keenlyside a proposito di questa scelta, ma rassicura che il 47enne baritono inglese è felicemente sposato con una ballerina del Royal Ballet.

Non è Dick Johnson che bacia Minnie ma Tristan sedotto da Isolde. La produzione è della Virginia Opera.

Lui si chiama Thomas Rolf Truhitte e le foto vengono dal suo sito.

Baritono verdiano di razza, nell‘ensemble dell'Oper Frankfurt dal 1998, sta ormai decollando nello star system internazionale ed è ospite dei più importanti teatri lirici del mondo. Nato in Serbia nel 1969, ha scoperto presto la propria passione per il canto. Allievo del mezzosoprano Biserka Cvejić, debutta a Novi Sad e Belgrado, nel 1987 vince il concorso Francisco Viñas a Barcelona grazie al quale ottiene la sua prima scrittura internazionale e, dopo un breve passaggio a Colonia nel 1997, Udo Gefe lo chiama a Francoforte dove ha ricoperto soprattutto ruoli verdiani e pucciniani. Venerdì prossimo debutterà come Carlo Gérard nella versione concertante di Andrea Chénier all'Alte Oper diretto da Paolo Carignani, un ruolo "pericoloso per la voce: devi spingere, urlare tutto il tempo. Manca la cantabilità che ritovo in Verdi".

Temperamento sanguigno, valori tradizionali, profonda ammirazione per i grandi del passato che ascolta nei momenti di relax ("per piacere e per imparare da questi grandi"), si lancia volentieri in polemiche contro lo star system che, a suo dire, sta rovinando il mondo dell‘opera: "Oggi la professione è business. È più importante essere belli che saper cantare. Tutto è veloce: si cambia il modo di cantare per inseguire comunque il successo facile, ma nessuno cura più la voce. Va bene, ma continuo ad ammirare le grandi voci del passato: Bastianini, Corelli, e anche prima."

Il suo modello? „Cesare Siepi: un gentleman, un dio, tutto!"

Dei suoi spettacoli a Francoforte, il migliore a suo dire è stato La Bohème (regia di Alfred Kirchner), ma ha apprezzato anche il Trovatore (regia di Antonio Calenda), che però è scomparso rapidamente dalla programmazione, "a qualcuno non piaceva". Quello che ha detestato di più: "Il Macbeth messo in scena da Calixto Bieito: una persona molto piacevole fuori dal teatro, ma molto problematico sul palcoscenico. D'accordo con i miei colleghi, la sera della prima abbiamo deciso di cambiare una scena di sesso perché la collega che doveva era troppo timida per eseguirla come voleva lui." Nel 2008 terminerà il suo contratto con l'Oper Frankfurt, dove concluderà con Jago il suo ciclo di ruoli verdiani. Un solo rimpianto: non cantare Posa, il suo ruolo verdiano preferito, nella produzione del Don Carlos prevista nell'Ottobre 2007, diretta da Carlo Franci.

Impegni artistici con la Metropolitan Opera lo impegneranno in tutte le stagioni a seguire fino al 2011, con opere come Macbeth, Nabucco, Rigoletto (ruolo in cui debutterà a Dresda in giugno), Traviata, Madama Butterfly, Trittico.
E dopo? „Forse mi ritirerò: non mi piace la direzione che ha preso l‘opera. Non è più canto, arte ma solo business."

Tre foto del Macbeth di Bieito (Oper Frankfurt, 2003) recuperate dagli archivi.

"A Papa Paolo VI
che gli chiedeva cosa la Chiesa potesse fare
a favore della musica, Igor Stravinskij rispose:
"Santità, restituisca alla musica i castrati".

Dalla Repubblica di oggi:
Benedetto XVI intende rilanciare latino e gregoriano nelle liturgie cattoliche. E ne consiglia l'uso nelle grandi celebrazioni che avvengono in occasione dei raduni internazionali: "E' bene - scrive nella sua prima Esortazione Apostolica - che tali celebrazioni siano in lingua latina; così pure siano recitate in latino le preghiere più note della tradizione della Chiesa ed eventualmente eseguiti brani in canto gregoriano". E i futuri sacerdoti "fin dal tempo del seminario" siano preparati a celebrare in latino, "nonché ad utilizzare testi latini e a eseguire il canto gregoriano".

Ieri sera, Nathaniel Webster, baritono, racconta della sua passione fin da bambino nei cori di chiesa negli Stati Uniti, dei suoi studi a New York, a Glasgow, a Parigi (Opéra Studio) e finalmente del suo primo ingaggio professionale all'Oper Frankfurt. E continua con i suoi interessi per la musica pop e del tornare a casa prima o poi.

A conclusione parla del suo futuro qui che non va oltre il 2008. Dopo, sostiene, molte cose cambieranno quando si insedierà il nuovo direttore musicale Sebastian Weigle che sostituirà Paolo Carignani attualmente in carica.

Lunedì prossimo tocca a Zeljko Lucic.

In un piccolo caffé in un quartiere periferico a nord di Francoforte, ci si può rinfrescare la memoria su alcuni recenti spettacoli dell'Oper Frankfurt grazie ad alcune belle foto di Wolfgang Runkel.

Wolfgang Runkel, giovane studente di pianoforte alla Hochschule für Musik und Darstellende Kunst di Francoforte, per divertimento comincia a fotografa spettacoli di amici e colleghi. Poi nel 2004 incontra la fotografa teatrale Barbara Aumüller ed è la svolta (semi)professionale. Attualmente lavora soprattutto con l'Oper Frankfurt, ove si occupa delle riprese ed occasionalmente per qualche prima. Nel 2005 la rivista Colorshot della Canon Deutchland gli ha dedicato un servizio che si può leggere qui.

Sconsigliato ai nottambuli (il Café Mokka chiude alle 19) ma vale una visita.

Da più di sei anni, Don Porsché, docente in pensione di lingua inglese, americano da più di 35 anni in Germania, è l'anima di un gruppo di discussione in inglese sull'opera: Frankfurt Opera Talk. Il gruppo fa parte del programma di attività dell'Università popolare (Volkhochschule) di Francoforte. La formula è semplice: un ospite (anglofono) che proviene dall'attivissimo mondo dell'opera tedesca ed un gruppo di curiosi di opera (non necessariamente esperti). Per due ore e mezza, si chiacchiera, si discute, si scambiano opinioni, si raccontano esperienze.

Ieri sera è toccato a Simon Bailey, baritono di punta dell'Oper Frankfurt, coinvolto in parecchie produzioni in questa stagione e fresco di debutto come Figaro nella nuova produzione delle Nozze di Figaro. Si cominca proprio da lì, fra soddisfazione per il successo ed un po' di amarezza per qualche contestazione isolata - e, secondo Bailey, ingiustificata - al direttore Julia Jones.

Fra qualche ascolto di Elektra (nella cui recita del 17 marzo prossimo, Bailey sarà Orest), con le Nozze di Figaro, opera di riferimento per questo ciclo di conversazioni, si raccontano aneddoti - come quello del regista scozzese David McVicar che adora i nicknames e ribattezza Agie e Poppy le due eroine dell'händeliana Agrippina - e si discute con leggerezza di debutti internazionali, delle opportunità offerte da un teatro straordinariamente produttivo come l'Oper Frankfurt per un giovane cantante, delle esperienze con grandi direttori (curiosamente, il suo ricordo più affettuoso va a Carlo Franci e al suo grande mestiere).

Sulla gestione attuale del teatro, Bailey è molto positivo. La modernità delle messe in scena sarebbero motivate da una esigenza del pubblico locale, poco incline alla tradizione. E Bailey finisce con un elogio alla coerenza del progetto artistico perseguito dal teatro, che più che sullo star system, che comunque vincoli di budget non permetterebbero, punta su un gruppo omogeno di artisti che creino un marchio, uno stile riconoscibile e di livello medio-alto. Insomma, qui si fa del teatro musicale, non si creano eventi. Si conclude con considerazioni estemporanee sul fututo dell'opera, in particolare in Germania. Secondo Bailey fra trent'anni il sistema operistico tedesco è destinato a ridimensionare il ruolo dei finanziamenti governativi e somiglierà di più al sistema britannico dove governo e sponsor contribuiscono entrambi al 50%. Vada come vada, Bailey non crede in una scomparsa del genere. Bisogno di opera, in una forma o in un'altra è destinato a durare nel tempo.

La prossima settimana tocca ad un altro baritono, Nathaniel Webster.

Le mutande del dissenso fra Carsen e la Scala.
Pescato su youtube.

Ieri, fra un Orff l'altro, abbiamo visto al Matildenhöhe di Darmstadt la mostra Zeit di Christian Boltanski. Più che una riflessione sul tempo, è la morte la costante della mostra ("Non riguarda il tempo, ma la morte. Ma i due sono inestricabilmente collegati.").

Anche con l'idea fissa della morte, più che del silenzio Boltanski parla di suoni e di musica parlando della sua arte: "Un'opera d'arte esiste per essere eseguita molte volte. [...] Il sessanta o il settanta percento delle opere d'arte contemporanee non sono create dagli artisti personalmente. Pensate solo a Dan Flavin, Carl Andre - perfino Beuys. Posso immaginare che i musei mettano in mostra solo ricostruzioni. La maggior parte di opere d'arte dei nostri giorni è fatta di progetti, istruzioni di assemblaggio, regole per l'esecuzione. Gran parte dell'arte del ventesimo secolo è analoga ad una partitura che può essere eseguita molte volte. Per quanto mi riguarda, mi piacerebbe che le mie opere fossero eseguite da altri anche dopo la mia morte. Molte delle mie opere non sono entità fisse; dipendono dal contesto nel quale si esibiscono. Questo vuol dire che lo stesso pezzo può avere un effetto completamente diverso quando vengono mostrate in altri posti. "

Ed ancora: "Sono come un pianista che esegue le sue proprie composizioni ogni volta in un modo nuovo. Mi piacerebbe che la mia musica fosse eseguita da altri in futuro. È davvero un peccato per Beuys, per esempio, che nessuno esegua più la sua musica."

Il visitatore è accolto da un suono: Le coeur (2005), una installazione in cui il battito cardiaco di Boltanski risuona in un corridoio lungo e stretto. Sul suono: "Il suono non è musicale per me. I suoni sono ready-mades e possono essere riconosciuti da tutti. Ognuno conosce il battito cardiaco. Questi suoni sono molto simili alla fotografia. Le foto nel mio lavoro, sono ready-mades, non sono state fatte da me. Al contrario, registravo i suoni, anche se sono pubblici. Non credo che ci sia differenza se si usano foro o suoni. La cosa interessante sul suono è che si può riempire un'intera stanza con un mezzo così piccolo."

Sfogliando il catalogo, troviamo anche qualche curiosità più strettamente musicale: uno schubertiano Winterreise coprodotto nel 1994 dalla parigina Opéra Comique, il berlinese Hebbel-Theater. E poi un Der Ring. Fünfter Tag. Der Tag danach da Wagner, riflessione personale sul quinto giorno della sagra scenica, fra relitti di palcoscenici e reminescenze di motivi del Ring, sulle tracce di ciò che è stato, di ciò che sarebbe potuto essere, o di quello che resterà.

Le cirazioni sono tratte dal catalogo della mostra.

Altro film: Lezione 21. Lo girerà Alessandro Baricco in Val Sugana in inglese con cast internazionale. Protagonista sarà l'australiano Noah Taylor, affiancato da John Hurt, Clive Russell e Leonor Watling.
Il soggetto: lo studente Peters (Noah Taylor) rievoca la lezione (la numero 21) più bella del professore universitario Mondrian Kilroy (John Hurt) sul mistero della genesi della Nona Sinfonia di Beethoven, che nasce da foreste e cime innevate. Il fim sarà girato fra Trentino e Inghilterra.
Baricco: "Direi che è un film sulla vecchiaia, dal valore universale, nel senso che non ha riferimenti specifici alla realtà. [...] Il personaggio interpretato da John Hurt è Mondrian Kilroy, il professore del mio City: l'ho sfilato da lì e ho cambiato qualcosa, ma è lui. È un personaggio stravagante, fuori dalle regole. E la storia che ha in testa e che racconta, e la sua testa è la mia, è una pazza lezione. Ma è anche il racconto della sua vicenda personale, di un uomo ormai anziano. Per questo dico che, alla fine, è soprattutto un film sulla vecchiaia." La scelta del Trentino è legata a Mario Brunello e ai suoni delle Dolomiti: "Sono un appassionato di montagna ma solo lui poteva convincermi a salire sulle Dolomiti alle 6 di mattina".
Produttore è Domenico Procacci per Fandango. Il film uscirà a fine 2007.

La conferenza di stampa di Baricco a Trento.

Dopo Farinelli (guest star Händel) e Lully e il suo re danzante, il biopic barocco aggiunge un altro nome illustre: Vivaldi. Se ne sa ancora molto poco: che sarà girato fra Venezia e Vienna, che sarà diretto da Boris Damast e che è stato scritto dal giornalista americano Jeffrey Freedman, dopo venti anni di ricerche. Le riprese cominceranno a primavera mentre l'uscita è prevista per il 2008.
Cast classico da coproduzioni (austro-americana in questo caso). Vivaldi sarà Joseph Fiennes e poi Gérard Depardieu sarà Gavinot un nobile dissoluto ("un lupo sotto la pelle di agnello" dice Variety) e amante di una donna perduta costretta ad abbandonare la figlia frutto della colpa all'Ospedale della Pietà, Jacqueline Bisset come Countess, Malcolm McDowell come Merlino, Elle Fanning come Cristina, Lena Headey come Norina, Zuleikha Robinson come Julietta.
La fotografia sarà di Tony Pierce-Roberts (collaborazioni importanti con James Ivory) e i costumi li disegna Jenny Beavan, come nel Casanova di Buena Vista. Infine, le musiche saranno (ovviamente) di Vivaldi e Robert Folk. Produce Mechaniks compagnia californiana di Venice (!) che offre pochissime notizie ma fa almeno vedere un primo test con l'Orchestra Giovanile di Sofia.

Variety informa che Imagine Entertainment e Columbia stanno anche lavorando ad un progetto sul prete rosso.

Il Museo Luzzati è qui. Un ricordo si trova qui.

Mentre dovunque si parla di come allargare il pubblico dei teatri d'opera o garantirsi un futuro investendo nell'educazione musicale delle nuove generazioni, il Teatro alla Scala si preoccupa piuttosto del decoro del pubblico. È di ieri la decisione del sovrintendente Lissner di imporre al pubblico un "abbigliamento consono al decoro del teatro", e cioè abito scuro per le prime e giacca e cravatta per tutte le rappresentazioni. La decisione divide la coscienza degli italiani.

I favorevoli.

Riccardo Chailly (direttore d'orchestra): «Sono d'accordo: è bello che in una sede storica come la Scala gli spettatori abbiano un atteggiamento, non dico reverenziale, ma che onori il luogo. In Olanda, poco manca che si presentino in mutande, ma alla Scala no, la sua tradizione impone un atteggiamento diverso.»
Carlo Fontana (ex sovrintendente della Scala): «Ho l'imprinting di Paolo Grassi, che diceva: Lenin ha fatto la rivoluzione in giacca, cravatta e panciotto.»
Fabio Vacchi (compositore): «la diseducazione del pubblico è un oceano molto vasto, dove trovano posto sia il vestirsi con abiti pseudo-casual, che magari costano il triplo di quelli normali, sia far squillare il telefonino, applaudire tra un movimento e l'altro di una sinfonia, sbattere le porte dei palchi. La scelta della Scala è un richiamo all'avanguardia, contro il conformismo dilagante.»
Vittorio Sgarbi (assessore alla Cultura del Comune di Milano): «Bisognerebbe costringere i turisti a vestirsi in modo consono quando visitano i monumenti, e questo vale anche per i teatri.»

I contrari.

Francesco Saverio Borrelli (ex capo della Procura della Repubblica di Milano): «Mi pare una pretesa eccessiva ripristinare un rigore nei costumi. Certo, nessuno entrerebbe in una chiesa in costume da bagno, quindi è giusto l'appello a non assistere agli spettacoli in pantofole e camicia aperta sul petto villoso. Ma da qui a esercitare dei controlli... Così si rischia di rendere i teatri delle roccaforti del passatismo e di tenere lontano il grande pubblico».
Dario Fo: «Brutto segno. È l'uomo che fa l'abito, lo stile, non viceversa. Credo che la Scala preferisca avere spettatori tutti molto simili, meglio se persone soltanto di un certo rango. È una forma di discriminazione.»
Antonello Manacorda (violinista e direttore d'orchestra): «Mi viene da ridere: cosa vuol dire fare dei controlli? Sono d'accordo sull'eleganza, che non fa male a nessuno, come la bellezza. Ma perché identificarla con giacca e cravatta? E poi si vogliono trascinare i giovani a teatro: se li obblighiamo a vestirsi come i loro genitori, non li vedremo mai. E noi, per chi li faremo questi concerti?»

In futuro, quindi, controlli sull'abbigliamento ma discreti. Rassicura Lissner che nessuno sarà cacciato, dicono, ma invitato a osservare le regole pur non essendo chiara la sanzione per chi non le rispetta.

Se non altro di Lissner si ammirerà la coerenza nella gestione Scala: dall'intimo maschile alla cravatta.

Il Teatro alla Scala fa di nuovo parlare di sé e non per ragioni artistiche. O almeno non sembra. Se il perizoma di Roberto Bolle nella recente Aida è stato assolto con formula piena, la mutanda di Berlusconi no e così il Candide allestito da Robert Carsen in coproduzione con il parigino Châtélet cade sotto la scure della gestione scaligera.

Censura? Nemmeno a parlarne: si tratta di pura questione di gusto. Come spiega Franco Zeffirelli: «[Nel Candide] c'era sì una satira del potere ma non in questi termini carnevaleschi. Lo scopo di una rappresentazione di questo genere qual è? perché ironizzare su personaggi importanti? Non lo capisco. [...] A meno che non ci sia la zampata di una grande personalità, questa forme di provocazione rimangono fini a se stesse. E tanti giovinastri non hanno di certo una tale statura. [...] Sono le solite cose di tanti cialtroni che con queste carnevalate si improvvisano registi».

Lissner spiega così la sua decisione: «perché non rientra nella mia "linea Scala", che punta a conciliare tradizione e modernità. E non tanto per la famosa scena dei capi di stato, in carica ed ex, messi in mutande da Carsen, ma per tutta una serie di altre ragioni, dagli interventi che Carsen ha voluto apportare al libretto, ad allusioni e situazioni di uno stile che, appunto, non si confà con quello della Scala». Allo stesso tempo, si dice aperto a trattare per adattare lo spettacolo al gusto del pubblico scaligero e, soprattutto, a quello degli amministratori scaligeri, fra cui la sindaco Moratti che dice di preferire "una via più tradizionale". Ma la satira resterà? «Vedremo. Discuteremo anche di quello. Ad esempio, se è il caso di tirare in ballo Berlusconi, che è l' unico ex capo di governo tra quelli che appaiono in scena».

Chiosa Michele Serra nella sua Amaca dela Repubblica di sabato 30 dicembre: "Con una sola decisione, Lissner è riuscito a segnare tre autogol. Il primo: confermare che l' autonomia dell' arte e la libertà d' espressione, qui da noi, vivono sotto il perenne schiaffo della politica (la Scala come la Rai, anzi peggio della Rai). Il secondo, rafforzare il sospetto di una gestione pavidamente conservatrice del maggiore teatro lirico del mondo, che va in deliquio per gli ori zeffirelliani e ha paura di una breve comica di tre minuti: sì al tanga di Bolle, no al potere in mutande, perché si sa che non tutte le chiappe sono uguali. Terzo, mettere in difficoltà Berlusconi, che fa (non per sua colpa) l'odiosa figura dell'intoccabile e soprattutto perde una delle ultime possibilità di essere raffigurato insieme ai veri potenti del pianeta."

Tutti commenti sono tratti da articoli apparsi il 29 e 30 dicembre in nel Corriere della Sera e La Repubblica.

In sala

 
"Dobbiamo essere molto fieri. Questa serata porta l'opera in primo piano, cerchiamo di fare della Scala la capitale mondiale dell'opera" (Franco Zeffirelli)

• "Questo non è solo uno spettacolo di opera lirica, è l' evento lirico dell' anno. Questo però non toglie che l' opera lirica viva delle difficoltà. Il problema della lirica resta lo stesso, è un problema di risorse pubbliche. Il costo è sempre eccedente i biglietti" (Romano Prodi/1)
• "Stasera abbiamo raggiunto la perfezione. Il settore dell'opera merita più risorse pubbliche. Dobbiamo sfruttare meglio le bellezze d'Italia." (Romano Prodi/2)
• "Se si dovesse cercare la perfezione, questa Aida è la perfezione" (Angela Merkel/1)
• "Wonderful, wonderful!" (Angela Merkel/2)
• "Che emozione questa Aida!" (Letizia Moratti)

• "La più bella serata della mia vita" (Stéphane Lissner)
• "Che emozione questa Aida!" (Sophia Loren)
• "Bellissima, tendente al grandioso" (Massimo Moratti)
• "Una magica serata. La regia è stata stupenda grazie a un grande maestro milanese" (Giorgio Armani)
• "Non mi piace, è troppo hollywoodiana" (Lucio Dalla)
• "L'Aida della Scala è vecchissima" (Lorenzo Arruga)
• "Finalmente una prima all'altezza della prima della Scala" (Elio Catania)
• "Troppi eccessi scenografici. Il solito Zeffirelli cinematografico. Forse piace al pubblico popolare, ma distrae dalla musica. Di filmoni sull'Egitto se ne sono già visti abbastanza negli anni Cinquanta, ma sono cose da Hollywood" (Francesco Saverio Borrelli)
• "Bellissima Aida. Zeffirelli riesce ad esprimere tutto il senso del dramma" (Umberto Veronesi)
• "È un'Aida imponente e maestosa, così come dev'essere. Sui cantanti, però, meglio stendere un velo. Conviene gustare gli allestimenti grandiosi di Zeffirelli. Sperando che Prodi non arrivi a tagliare anche qui, altrimenti addio scenografie artistiche" (Giorgio Squinzi)
• "È un trionfo della tradizione" (Giovanni Bazoli)
• "L'Aida di Zeffirelli ha qualcosa in più, è entusiasmante" (Francesco Rutelli)
• "La cosa che mi e' piaciuta di più e' l'orchestra, il Coro e lo spettacolo, non mi faccia dire altro...l'Opera ai miei tempi era un'altra cosa" (Carlo Bergonzi)

"Oggi alla Scala si celebrano i poteri forti e i ricchi"
"Ridistribuire davvero i redditi ai lavori precari e pensionati. Basta guerre e spese militari. No alla finanziaria di Confindustria, governo e Cgil-Cisl-Uil"

P.S. "Non so dove capito. Può darsi pure in quarta fila. L'importante è sedersi. Non perdere mai la sedia" (Clemente Mastella)

Sant'Ambrogio. Aida inaugura stasera la stagione del Teatro alla Scala. Mette in scena Franco Zeffirelli: "Non dite: ecco, Zeffirelli ha fatto il suo solito spettacolo che ci scodella pari pari. Sì, ho messo in scena un'Aida con un suo orgoglio di conservazione di certi principi, fedele alla tradizione. Ma come scenografo sono andato avanti per cercare effetti inusitati, per dare l'idea del trasognamento, del mistero, dell'esoterismo che permea l'antica civiltà egizia".

Ancora Zeffirelli: "Sono rimasto l'ultimo regista che sa amare l'opera. I tedeschi non la amano, o almeno credono di amarla ma la usano per divagazioni arbitrarie, neanche tanto geniali: il pubblico è disorientato, i critici accettano per fare i moderni. Ma chi è in grado di tramandare il grande patrimonio del melodramma italiano? Ronconi e Pizzi? Invecchiati. Strehler è morto. Ormai non ci sono più padri, né figli, né nipoti. Salisburgo è perduta, si salva il Covent Garden."

A proposito del suo rapporto con Riccardo Muti, Zeffirelli dice: "Dopo il Don Carlo del 1992 non mi sono lasciato bene con Riccardo Muti. Il bello del fare l'opera è essere amici: un applauso all'uno è un applauso all'altro. Persino col terribile Karajan c'è stata collaborazione. Con Muti no: non dava confidenza, mi teneva a distanza. Gliel'ho detto a chiare lettere: lavorare con te non mi dà nessuna gioia."

Giudizio anche più severo nella sua Autobiografia: "Ero abituato a lavorare con giganti come Serafin, Kleiber, Bernstein, Karajan, Gavazzeni e tanti altri, grandi artisti e affidabili compagni di lavoro. Muti è un artista molto diverso da questi, anche se non è così infrequente imbattersi in casi di arroganza e di vanità nel mondo della musica. Muti ha in testa un solo traguardo, che assorbe tutta la sua creatività: affermare a ogni costo il proprio genio, che ampiamente gli va riconosciuto, ma che purtroppo non vuole accettare limitazioni, critiche, rivalità di alcun genere... Come poi si è visto, il maestro Muti fu coinvolto in una lunga e amara stagione di contestazioni e polemiche. Tutto il quadro della Scala entrò in crisi. Non starò certo a farne la storia in questa sede, perché è ancora materia calda, anche se non più rovente. Fu la crisi tra Muti e la sua orchestra a determinare l'allontanamento del maestro, che è stato pregato di trovarsi un altro "habitat" e di andarsene altrove. Mi dispiace per il suo grandissimo talento."

Chiosa (velenosamente) Natalia Aspesi nella Repubblica di oggi: "Fosse stato Muti meno raffinato, Zeffirelli & Aida avrebbero potuto dilagare alla Scala prima, imperando il premier Berlusconi, il quale, apparendo recalcitrante all'inaugurazione del 2004, dovette sorbirsi, diretto dall'implacabile Muti, un Salieri sublime e perciò indigesto. Invece oggi il grande regista-scenografo-costumista, richiamato alla Scala dal fiuto artistico-mercantile del sovrintendente Stéphane Lissner, deve subire l'onta di trovare nel palco presidenziale un primo ministro di centro sinistra, cioè per lui comunista, bolscevico, il nuovo Stalin bolognese."

Infine, accuse a Lissner e Zeffirelli da parte del rappresentante sindacale Giuseppe Zecchillo: "La scenografia di questa Aida, con i suoi enormi sprechi, mette in pericolo il finanziamento della prossima stagione teatrale."

L'altra soluzione (al problema di cui sotto) è cambiare l'opera.
Lo fa Alessandro Baricco col Flauto Magico di cui riscrive i dialoghi e crea una nuova drammaturgia.

Dice Baricco: "C'era, da parte mia, la fascinazione per un' avventura di cui m' interessa il tratto filologico. Il Flauto nacque come evento popolare, in un teatro non certo di corte; ed era nel parlato che s' affermava con forza l' elemento comico. Gli interpreti recitavano a canovaccio, con gag e volgarità, a cui s' alternava la musica. Vorrei rigenerare quelle condizioni: siamo in un teatro, ridiamo, e tra una risata e l' altra ecco irrompere la musica di Mozart, col suo oscillare tra dimensioni popolari ed alte sfere. Come risuonerà l' aria di Pamina quando si hanno ancora le lacrime agli occhi per il riso? è a scoprirlo che punta la mia versione".

Il sofisticato Baricco ricostruisce in effetti una cornice nella quale il Flauto ritrova una nuova dimensione: "In un paesino vagamente ottocentesco si deve allestire un' opera in occasione della visita di un dignitario. Un po' come se oggi arrivasse un direttore di marketing, e si volesse festeggiarlo con una serata in discoteca. Si convoca un impresario e ci sono anche un sindaco e un amministratore della compagnia teatrale, ruoli che in questa versione toccano ad attori. Lo spettacolo è Il Flauto Magico, la cui storia scorre identica all'originale. Solo che qui sarà inventata e commentata di volta in volta e sul momento dai personaggi aggiunti, in un intreccio di situazioni buffe, da commedia. Il sindaco segue lo sviluppo dello spettacolo, i cui interpreti sono gente del paese. Pamina è figlia del sindaco, la Regina della Notte è sua moglie, Monostato è figlio del becchino, Papageno è un casinista... E commentando e inventando si bisticcia e si discute, spesso confondendo la realtà con l'opera".

Difende l'operazione, il sovrintendente torinese e compositore Lorenzo Ferrero: "Ogni opera va pensata per il pubblico lì e ora, non in senso astratto. Interventi come quello di Baricco possono avvicinare alla lirica un pubblico nuovo". E cita Philip Gossett che gli disse che "esistono edizioni critiche ma non rappresentazioni critiche. Ogni messinscena è una ricreazione dell'opera fatta per il pubblico che si ha davanti".

Fortemente critico, invece, il violinista Uto Ughi: "Non solo non è lecito [riscrivere le parti recitate di un capolavoro come Il Flauto Magico]: è deviante. Mozart scrisse la sua musica in funzione del libretto che conosciamo. Se lo si cambia si rischia d'inquinare tutto. Non si può intervenire su opere concepite e maturate dall' autore insieme al librettista. D' altra parte in nome della novità oggi si ammette qualsiasi cosa, sempre per la paura di annoiare. Ma una grande opera annoia solo quando non è interpretata bene e gli interpreti non sono adeguati, non per colpa del compositore o del librettista."

L'opera va in scena al Teatro Regio di Torino dal 12 dicembre.

Estratti da un articolo di la Repubblica del 1 dicembre 2006.

Chi è interessato ad aderire, vada qui o qui.
La lettera di Cecilia Gasdia al Sole 24 ore si può leggere qui.

Friedensreich Hundertwasser, Waldspirale
(Darmstadt, domenica scorsa)

(oggi a Francoforte, Roßmarkt, verso le 13)

"Pour moi, la sonorité des baroqueux a quelque chose d'exotique..."
Gérard Mortier
(Diapason, ottobre 2006)

Piccolo florilegio di opinioni (fulminanti) di quattro grandi interpreti del repertorio barocco.

René Jacobs

«Quel che rende la musica essenziale, è l'inatteso: da una battuta all'altra, può cambiare, lasciare la strada che si pensava di aver preso. Se si dovessero bruciare tutte le partiture di Vivaldi per conservarne soltanto una di Scarlatti, non esiterei a farlo.»

Le Monde de la Musique, novembre 1998, a proposito dell'oratorio Caino o il primo omicidio di Alessandro Scarlatti

«Amo appassionatamente David et Jonathas, ed anche di più Medée [di Marc-Antoine Charpentier]. Per queste due opere, sarei pronto a sacrificare tutte quelle di Lully»

Classica/Répertoire, settembre 2004

«In Händel, quando si guardano due battute, si sa più o meno come la musica continuerà.»
«... C'è qualcosa che non bisogna dimenticare anche se nessuno ne parla: [Händel] è un ladro!»

Crescendo, aprile/maggio 2004

John Eliot Gardiner

«Vivaldi è capace di invenzioni di prodigiosa efficacia, ma le ripete fino alla nausea.»

Diapason, décembre 2001

Nikolaus Harnoncourt

«Il rispetto di cui gode Lully supera la mia capacità di comprensione»

Classica/Répertoire, giugno 2004

Alan Curtis

«... Penso sia rendere un cattivo servizio a Vivaldi prendere un pezzo come Giustino, che persino gli appassionati considerano troppo lungo - ci sono in effetti troppe cose che non si sarebbero dovute conservare ...»

«... [La registrazione del Giustino di Esteban Velardi] non l'ho ascoltata, ma se mai trovassi tempo per farlo, non credo cambierei opinione ... Penso che sia bene per Vivaldi imporre dei tagli.»

Goldberg, dicembre 2003, a proposito dei tagli nella sua registrazione del Giustino

Trovate (e tradotte) nel Bêtisier de l'opéra baroque del Magazine de l'opéra baroque di Jean-Claude Brenac

L'ufficio stampa dell'Oper Frankfurt mestamente informa di non aver ricevuto nessuna nomination nella classifica della rivista Opernwelt. Però ci fa sapere che molte delle sue produzioni e di coloro che vi hanno contribuito hanno ricevuto almeno qualche voto dei 50 critici internazionali della giuria di Opernwelt.

Ecco tutti i non-premi dell'Oper Frankfurt:

• la Frankfurter Museumsorchester è arrivata seconda nella categoria migliore orchestra con quattro voti
• Il coro dell'Oper Frankfurt ha ricevuto due voti nella categoria coro dell'anno
• Nella categoria miglior spettacolo dell'anno figurano Parsifal (quattro voti), Un ballo in maschera (due voti), La clemenza di Tito (un voto) e Combattimenti (un voto).
• Nelle categorie migliori cantanti, hanno ricevuto due voti Michaela Schuster per Kundry nel Parsifal messo in scena da Christof Nel e Alice Coote per Sesto in La clemenza di Tito diretto da Christof Loy, mentre un voto è andato rispettivamente a Alexandra Lubchansky per Rosina nella Finta semplice e a Carsten Süß per Wenzel nella Sposa venduta.
• Infine, un voto a Ilse Welter per i costumi del Parsifal.

Peccato! In effetti, quella trascorsa ce la ricordiamo come una delle migliori stagioni dell'anno ed il Parsifal di Nel avrebbe ben figurato nella lista degli spettacoli premiati.

Buone notizie per chi dovesse assistere stasera alla prima dell'Idomeneo di Mozart a Wiesbaden. Il sovrintendente Manfred Beilharz annuncia di non aspettarsi proteste da parte di islamisti.

Accogliamo la notizia con sollievo: dopo la cancellazione di Berlino, riusciremo a vedere finalmente il capolavoro mozartiano. E senza nemmeno temere qualche facinoroso nella elegante colonnata del teatro di Wiesbaden.

Notiamo solo che, con singolare decisione, Cesare Lievi, regista della produzione di Wiesbaden, non sfrutterà il tema islamista, di cui non si trova alcuna traccia nel libretto che Gianbattista Varesco scrisse per l'opera creata 98 anni dopo l'assedio di Vienna del 1683. Anche allora, quindi, Mozart e Varesco non sfruttarono la possibile occasione celebrativa per soli due anni.

Con una certa delusione (parlerà la stampa di questa non notizia?), andremo comunque a teatro, rassicurati almeno per la nostra incolumità.

Assegnati la scorsa settimana i premi della rivista Opernwelt per la stagione 2005/06, ossia gli oscar della lirica tedesca. Stoccarda fa man bassa. Ecco tutti i premi:

• Teatro d'opera dell'anno: Staatsoper Stuttgart
• Allestimento dell'anno: Alceste di Christoph Willibald Gluck, regia di Jossi Wieler e Sergio Morabito (Staatsoper Stuttgart)
• Riscoperta dell'anno: Aeneas in Karthago di Joseph Martin Kraus (Staatsoper Stuttgart)
• Creazione dell'anno: Ein Atemzug - die Odyssee di Isabel Mundry (Deutsche Oper Berlin)
• Cantanti dell'anno: Catherine Naglestad e René Pape
• Direttore dell'anno: Simone Young
• Regista dell'anno: Sebastian Baumgarten per Orest di Georg Friedrich Händel  (Komische Oper Berlin)
• Scenografo dell'anno: Anna Viebrock per Tristan und Isolde, regia di Christoph Marthaler (Festival di Bayreuth 2005)
• Costumista dell'anno: Achim Freyer per Medée di Luigi Cherubini (Nationaltheater Mannheim)
• Orchestra dell'anno: Staatskapelle Berlin
• Flop dell'anno: Die Lustige Witwe regia di Peter Mussbach (Deutsche Staatstoper Berlin) e la stagione dell'Oper Köln, in particolare per Orphée aux Enfers regia di Bernd Weikl
  

Piccola antologia del sesso nelle scene d'opera (soprattutto in Germania).
Per le immagini forti, cliccate qui sotto solo se siete adulti. 

Da giorni i giornali tedeschi sono pieni delle polemiche scatenate dalla decisione della berlinese Deutsche Oper di cancellare dal cartellone Idomeneo che sarebbe dovuto andare in scena per poche recite dal 7 ottobre. Lo fa per non mettere in pericolo i lavoratori del teatro ed il pubblico che avesse voluto assistervi. E non solo lo cacella dalle scene, ma se se ne volesse trovare traccia nel sito, si sarebbe destinati ad essere frustrati: non esiste più nulla, come fosse l'immagine di un qualche vecchio amico in un album fotografico di Stalin.

Stupisce che una decisione così attenta verso un soi disant sentimento religioso arrivi comunque a quasi tre anni dal debutto dello spettacolo di Hans Neuenfels, quando, sia la reazione non proprio amichevole di critica e pubblico, a suo tempo avrebbe magari offerto una occasione meno attaccabile. O forse no, vista la sacralità del Regista da queste parti.

Il motivo: il buon re Idomeneo verso il finale arriva in scena con le teste mozzate di Buddha, Poseidone, Gesù e Maometto (l'ordine seguito qui segue l'età presunta dei quattro personaggi non la loro importanza).

Ma perché tanta furia vendicatrice? Potrebbe stupire il fatto che Idomeneo non si limiti a colpire Poseidone ma coinvolga anche altri tre sciagurati che con le sue tormentate vicende, per quanto se ne sa, c'entrano poco. Ma qui ci viene in soccorso il Neuenfels stesso: "Poiché milioni di morti sono da mettere sul conto dei conflitti di religione, abolirle tutte può essere una misura propedeutica alla pace" e, con indiscutibile coerenza, dichiara lui stesso guerra alle religioni.

Passi pure l'ingiusto attacco al normalmente pacifico Buddha, a Neuenfels avrebbe però giovato ascoltare almeno il monito di una delle vittime, fedelmente riportato dell'evangelista Matteo: Qui gladio ferit gladio perit.

È fin troppo facile attaccare la censura in qualsiasi forma si presenti, magri anche sotto lo spesso strato di cipria del politically correct. E, del resto, le critiche all'eccesso di zelo della sovrintendente Kirsten Harms non sono giustamente mancate da parte degli intellettuali e della classe politica.

Si pensi però un attimo al terribile dilemma del bloggista - megalomane nel suo intrinseco esibizionismo - che deve rispondere all'imperativo morale di documentare con una immagine il fatto di cui racconta: rispettare il sentimento religioso di milioni di cittadini di questo pianeta legittimando in tal modo la censura, o rivedicare con un gesto il suo diritto ad esprimersi liberamente? Ebbene: questo bloggista sceglie il secondo corno, sebbene ceda solo al buongusto e mostri qui sotto una immagine meno cruenta della produzione berlinese. Con le quattro vittime vive e, sembra, in ottima forma.

Come dire che alla fine della fiera il solo decapitato è il Neuenfels. Ah! se solo avesse letto Matteo...

Umiliata un paio di anni fa dal Covent Garden che la protesta per il fisico che mal si adatta al progetto registico di Christof Loy per l'Ariadne auf Naxos, il soprano americano Deborah Voigt decide di passare a mezzi drastici.

In lotta con problemi di obesità fin dall'adolescenza - umiliazioni a parte -  accusa problemi di diabete e di pressione alta nonché di dolori alle ginocchia, nel 2005 si sottopone ad una operazione di gastroplastica che le fa perdere 45 Kg di peso.

Eccola, fiera della sua linea, nel suo sito.

Riflessioni di Tim Ashley (The Guardian) sulla matroneity nell'opera qui.

Ci rassicura la definizione di Jacqueline Ott di Gesamtkunstwerk nel Dizionario Internazionale dei Termini Letterari: